Прадо мадрид картины: Museo Nacional del Prado

Музей Прадо — картинная галерея Прадо в Мадриде: как посетить

Национальный музей Прадо в Мадриде содержит в своей коллекции полотна фламандского, итальянского и испанского искусства. На сегодняшний момент в музее насчитывается около 8600 работ, но из-за ограниченного пространства удается показать только 2000 полотен.

История музея

Музей Прадо был построен в 1785 году архитектором Хуаном де Вильянуэва по распоряжению испанского короля Карла III, однако нашло оно свое применение только при его внуке Фердинанде VII. Именно при нем и образовался Королевский музей живописи и скульптуры, который известен сегодня как Прадо. В 1819 году состоялось открытие первой галереи из 311 полотен.

С течением времени коллекция активно пополнялась работами, в развитии музея активно принимала участие королева Исабель де Браганса, а ее на своем посту сменила Мария Хосефа Амелия — следующая супруга короля.

Множество изменений и дополнений претерпел музей Прадо за последующие два века. Сюда поступили полотна, хранившиеся в академии Сан Фернандо, которые включали картины из собрания Филиппа II, Филиппа IV и Карла V. Закрывающиеся учебные заведения и монастыри передавали свои художественные ценности в монастырь Ла Тринидад, а оттуда – в музей Прадо.

1936 год в Испании отмечен началом гражданской войны, в результате музей был закрыт, а его коллекция переместилась в Швейцарию, однако вскоре все стабилизировалось и экспонаты вернулись на свое прежнее место.

Великое собрание уникальных картин

В музее Прадо, уникальной достопримечательности Мадрида, выставлены работы испанских художников Веласкеса и Гойи, а также другие полотна. Общее собрание включает около 4800 картин – это самое крупное собрание в мире.

Коллекция работ итальянских мастеров включает в себя более тысячи работ, большая их часть датирована 17-18 веками, но есть картины, которые относятся к эпохе Возрождения. Среди них работы таких мастеров таких, как Тициан, Фра Анжелико, Боттичелли, Рафаэля, Тинторетто, Мантеньи и Веронезе.

Школа фламандской живописи в музее Прадо представлена работами североевропейских художников, среди которых – Иероним Босх и Питер Брейгель-старший, Ян ван Эйк и Якоб Йорданс, а также Питер Пауль Рубенс. Всего собрание включает свыше 1000 полотен.

Есть в коллекции музея и другие выставки — здесь представлены творения мастеров из Франции, Голландии, Германии и Великобритании. Все они отражают определенные эпохи и тенденции в мире искусства.

Информация для посетителей

Адрес: Calle Ruiz de Alarcon 23, 28014 Мадрид.

Режим работы:

• с понедельника по субботу — 10:00 — 20:00;
• воскресенье и праздничные дни — 10:00 — 19:00;
• 6 января, 24 и 31 декабря — 10:00 — 14:00.

Выходные дни: 1 января, 1 мая и 25 декабря.

Цены: узнать стоимость билета в музей Прадо можно на сайте.

Лайфхак: в музей Прадо можно попасть бесплатно за 1,5 часа до закрытия (с понедельника по субботу с 18:00 до 19:30; в воскресенье и праздничные дни — с 17:00 до 18:30). Также в этом промежутке времени действует скидка 50% на временные выставки.

А представителем современности в Мадриде является сооружение Ворота в Европу, которое спроектировали американские архитекторы Филипп Джонсон и Джон Бурдже.

Испанская живопись до XVII века — Коллекция

Когда Музей Прадо открылся в 1819 году, единственными выставленными картинами были работы испанских художников, поскольку с самого начала у музея было явное намерение поднять профиль испанской живописи и отстаивать ее ценности. Эта цель поддерживалась в течение долгого времени, и в результате «Департамент испанской живописи (до 1800 года)» включает чуть более 2800 испанских картин XII — начала XIX веков.Эти работы предлагают относительно подробный обзор основных глав истории испанской живописи, особенно в отношении художников и школ, начиная с эпохи Возрождения. В этой коллекции есть ряд особенно важных и обширных групп работ многих основных художников, действующих в Испании, в том числе Хуана де Фландеса, Педро Берругете, Луиса де Моралеса, Сурбарана, Корреа дель Вивара, Хуана де Хуанеса, Эль Греко, Майно, Рибера, Веласкес, Сурбаран, Алонсо Кано, Переда, Мурильо, Луис Мелендес, Байеус, Парет или Гойя.Практически во всех случаях коллекция Прадо составляет самую большую коллекцию работ каждого художника в любом музее. Особенно значительным является изображение Веласкеса, из которых в музее хранится 48 работ, что составляет почти 40% его известных произведений и, кроме того, включает большинство его шедевров. В музее также хранится 130 картин Франсиско де Гойи, среди которых вы можете найти фундаментальные серии, такие как карикатуры на гобелены и Черные картины, а также большое количество шедевров, которые делают посещение Прадо неизбежным для тех, кто хочу полностью понять Гойю как художника.

В дополнение к этим группам, связанным с одним художником, музей также предлагает особенно полное видение эволюции основных живописных жанров в Испании. Это, естественно, относится к религиозной живописи, но также и к натюрмортам и придворным портретам. Некоторые из этих работ принадлежат одному художнику, например, картины для алтаря в Колледжо-де-Донья Мария-де-Арагон Эль Греко или группа, написанная Висенте Кардучо для Чартерного дома Эль-Паулара, натюрморты Луиса Мелендеса для принца кабинета естественной истории Астурии или упомянутых черных картин.В других случаях это серии, созданные разными художниками, например, картина, выполненная для украшения Зала Царств во дворце Буэн-Ретиро в Мадриде, в которой участвовали ведущие художники, работавшие при дворе на тот момент, в том числе Веласкес. , Майно, Кардучо, Переда и Сурбаран.

Коллекция испанской живописи до 1800 года представлена ​​в семи галереях на первом этаже музея, в 29 на главном, втором этажах и в 10 в Ático Sur.Работы представлены в хронологическом порядке, но с учетом связей с другими национальными школами и традициями. Так, работы Педро Берругете вешаются рядом с работами ранних нидерландских художников, Эль Греко находится рядом с венецианцами, Рибера делит галерею с французским Караваджисти, а Веласкеса Spinners висит рядом с Рубенсом Похищение Европы . Залы, посвященные Гойе на главном этаже, близки к картинам художников XVIII века со всего мира.

Итальянская и французская живопись до XVII века — Коллекция

Как и в случае с другими школами живописи в коллекции Прадо, природа французской и итальянской живописи берет свое начало в испанской королевской коллекции, которая является источником ее происхождения. наиболее важные и ценные работы, а также объясняет ее основные пробелы. Среди последних — отсутствие картин, выполненных до 1500 года, коллекционирование которых было менее интересно испанским монархам. В Прадо хранятся работы известных художников, работавших до этой даты, в том числе Фра Анджелико, Антонелло да Мессина, Боттичелли и Мантенья, но только Смерть Девы Марии последнего находились в королевской коллекции.По разным причинам Тициан является одной из главных осей, вокруг которых построена коллекция картин Прадо. Помимо количества и качества его работ, отношения художника с Карлом V и Филиппом II стали образцом для будущих испанских монархов. Кроме того, в творчестве Тициана собраны все жанры, которые впоследствии были собраны: формальный и аллегорический портрет, обнаженная натура и его знаменитые «поэзии», в которых художник стремился соревноваться с поэтами. Коллекция венецианской живописи музея дополняется работами ее ведущих представителей: Веронезе, Тинторетто и Бассано.В галереях можно увидеть множество других художников 16-го века, в том числе Рафаэля и Федерико Бароччи, чьи работы вошли в королевскую коллекцию во время правления Филиппа III.

Коллекция 17-го века также включает картины широкого круга ведущих итальянских и французских художников, от Караваджо до Луки Джордано, включая Карраччи, Гверчино, Гвидо Рени, Клода Лоррена, Пуссена и Жоржа де ла Тура, и это лишь некоторые из них. самое важное. Тем не менее, наиболее важной фигурой для определения особого характера коллекции 17-го века был не художник, а король Филипп IV, который значительно увеличил королевскую коллекцию за счет покупок, дипломатических подарков и заказа больших серий картин, предназначенных для украшения. такие дворцы, как Буэн-Ретиро, построенный во время его правления.Для этой королевской резиденции Филипп заказал значительное количество шедевров из Рима и Неаполя, которые теперь можно увидеть в галереях музея. Они включают эпизоды из римской истории, пейзажи, мифологические сцены и цветочные композиции. Окрашенные в аналогичные форматы и размеры, они придают галереям Прадо особую индивидуальность, совершенно отличную от других музеев, а заказ этих работ наложил определенные условия на художников, которые радикально изменили курс европейской живописи барокко.Согласованность этой коллекции также объясняется тем фактом, что многие французские художники, представленные в Прадо, провели свои активные годы в Италии, большинство в Риме, который в то время был художественным центром Европы.

В дополнение к картинам, ранее находившимся в королевской коллекции, с момента своего открытия в 1819 году Museo del Prado приобрел работы с двойной целью: объединить наиболее представленные группы и добавить важные образцы менее представленных областей.Среди последних было приобретение в 2012 году панели «Агония в саду» с донором Луиса Орлеана (каталожный номер P-8106), написанной между 1405 и 1408 годами и приписываемой Коларту де Лаону. За этим последовало приобретение в 2013 году картины «Агония в саду » ломбардным художником Джулио Чезаре Прокаччини (каталожный номер P-8151).

После посещения французской и итальянской галерей музея настоятельно рекомендуется посетить Casón del Buen Retiro. В Casón находится потолок неаполитанского художника Луки Джордано, который работал у Карла II в Мадриде с 1692 по 1702 год.Написанный фреской около 1697 года, он изображает Апофеоз испанской монархии .

20 картин, которые вы должны посетить в Музее Прадо в Мадриде

Истоки Museo del Prado, или музея Прадо, восходят к 1785 году, когда в Мадриде было построено здание Прадо, который сейчас занимает, был заказан королем Карлом III. В музее собраны самые полные в мире коллекции произведений Эль Греко, Веласкеса и Франсиско де Гойи, а также таких испанских мастеров, как Хосе де Рибера и Франсиско де Сурбаран.Здесь также представлен богатый ассортимент других крупных европейских художников. Эти 20 картин — лишь небольшая часть обширной коллекции Прадо.

Более ранние версии описаний этих картин впервые появились в книге 1001 Paintings You Must See Before You Die , отредактированной Стивеном Фартингом (2018). Имена писателей указаны в скобках.

• Сатурн (1820–23)

  В 1819 году Франсиско Гойя купил дом к западу от Мадрида под названием Quinta del sordo («Вилла глухих»).Предыдущий владелец дома был глухим, и имя осталось подходящим, поскольку сам Гойя потерял слух в середине 40-х годов. Художник нарисовал прямо на гипсовых стенах Квинты серию психологически задумчивых образов, известных в народе как «черные» картины (1819–1823). Они не предназначались для показа публике, и только позже картины были сняты со стен, перенесены на холст и депонированы в Прадо. Призрачный Сатурн иллюстрирует миф о римском боге Сатурне, который, опасаясь, что его дети свергнут его, съел их.Если взять миф за отправную точку, картина может быть о гневе Бога, конфликте между старостью и молодостью или о Сатурне как о времени, пожирающем все сущее. Гойя, которому к тому времени было 70 лет, переживший две опасные для жизни болезни, вероятно, беспокоился о собственной смертности. Возможно, художника вдохновило барочное изображение мифа Питера Пауля Рубенса Сатурн, пожирающий своего сына (1636). Версия Гойи с ее ограниченной палитрой и более свободным стилем намного мрачнее во всех смыслах.Широко раскрытые глаза бога наводят на мысль о безумии и паранойе, и, что беспокоит, он, кажется, не осознает своего ужасного поступка. В 1823 году Гойя переехал в Бордо. После краткого возвращения в Испанию он вернулся во Францию, где умер в 1828 году. (Карен Морден и Стивен Пулимуд)

• Христос, обнимающий Сен-Бернар (1625–27)

  Христос, обнимающий Сен-Бернар , картина маслом Франсиско Рибальта, 1625–1627; в Прадо, Мадрид.

  A. Gutierrez / Ostman Agency

  Испанский художник Франсиско Рибальта достиг вершины своего зрелого стиля с картиной Christ Embracing St.Бернар . В процессе он трансформировал испанское барокко. Пионер в отказе от условностей маньеризма в пользу нового типа натурализма, ведущий художник Валенсии взял курс на испанское искусство, проложив путь таким мастерам, как Диего Веласкес, Франсиско де Сурбаран и Хосе де Рибера. Обладая реализмом, картина Христос, обнимающий Сен-Бернар представляет собой синтез натурализма и религиозности, который определял искусство Контрреформации 17-го века. Изображая восторженную слабость против божественной силы, а человека против трансцендентного, картина Рибальты изображает сцену набожного благочестия и явного человеческого взаимодействия.Телесность тела Христа (сошедшего с креста), а также тщательное внимание к драпировке одежды сенбернара (в сочетании с тугим и подвешенным телом Христа) придают мистическому видению ощущение близости и весомости. В своем интроспективном и выразительном изображении глубокого религиозного опыта картина предлагает искупительное видение человечества. Скульптурное моделирование и эффектная светотени , которые определяют эти две фигуры — на резком фоне, на котором две другие едва видны — напоминают итальянских тенебристов, таких как Караваджо.Хотя неизвестно, посещал ли Рибальта когда-либо Италию, Христос, обнимающий Святого Бернара отражает многие черты итальянского барокко и, скорее всего, взят из реплики алтаря Караваджо, который, как известно, скопировал Рибальта. (Жоао Рибас)

• Демокрит (1630)

  Этот поразительный портрет испанца Хосе де Риберы показывает влияние Караваджо на раннюю карьеру Риберы. Демокрит появляется из насыщенной темной тени, когда драматические прожекторы — в духе Караваджо — выделяют определенные области.У беззубого философа Риберы морщинистое лицо и изможденное тело. То, как он сжимает бумаги в одной руке и компас в другой, говорит нам, что он ученый, но также подчеркивает его костлявые пальцы грязными ногтями. Великий человек (которого традиционно называли Архимедом) выглядит не столько уважаемым ученым, сколько бедным стариком из современной испанской деревни. Таким образом Рибера нарисовал ряд выдающихся ученых, смело отходя от общепринятых художественных традиций, которые предпочитали рисовать важных людей в идеализированном и героическом классическом стиле.В этой картине есть резкие детали, но это человек с личностью. Он не отстраненная икона. (Энн Кей)

• Распятый Христос (ок. 1632)

  Диего Веласкес написал несколько религиозных произведений, но это чрезвычайно мощное изображение является его лучшим. Эта картина — убедительно реальное исследование человеческого тела, но с намёками на более монументальные скульптурные качества, которые поднимают его на более высокий уровень в соответствии с духовным содержанием. Композиция совершенно проста, но драматична, с контрастом белого тела на темном фоне, перекликающимся с работами Караваджо, которым Веласкес очень восхищался в молодости.Реалистичный натурализм присутствует в том, как голова Христа падает на его грудь, спутанные волосы частично закрывают лицо и раскрашены с распущенностью, которой Веласкес восхищался у венецианских мастеров, особенно Тициана. Эта работа предлагает религиозный сюжет, раскрытый в весьма оригинальной манере: реальный персонаж изображен в естественной позе, с урезанной композицией, сосредоточенной исключительно на предмете. (Энн Кей)

• Сдача Бреды (ок. 1635)

  Будучи придворным художником короля Испании Филиппа IV большую часть своей жизни, Диего Веласкес работал преимущественно с портретами.Однако с помощью The Surrender of Breda он создал шедевр, который считается одной из лучших исторических картин испанского барокко. На этом снимке изображено одно из главных событий Тридцатилетней войны — захват испанцами стратегически важного голландского города Бреда в 1625 году. Голландский командующий передает ключ от города знаменитому испанскому генералу Амброджо Спиноле. Веласкес написал «Сдача Бреды» после своего возвращения из Италии, поездка, отчасти вдохновленная его дружбой с фламандским художником эпохи барокко Питером Полем Рубенсом.Роспись, украшающая тронный зал дворца Буэн-Ретиро короля Филиппа, является частью серии изображений, демонстрирующих военные триумфы Испании, и отличается прямотой и естественностью, типичными для работ Веласкеса. Хотя композиция была тщательно продумана — и фактически напоминает работы Рубенса, — она ​​дает ощущение того, что вы находитесь в центре очень реальной, человеческой драмы. Солдаты смотрят в разные стороны, а лошадь на переднем плане рысцой убегает от зрителя. Художник отказывается от деталей, чтобы создать реализм, показывая главных героев с реалистичной точностью, оставляя безымянные войска более схематичными.Естественное освещение и широкая манера письма, несомненно, созданы итальянскими мастерами. Из этой картины легко понять, почему Веласкес стал фаворитом импрессионистов, и этот образ сохраняет свою силу и сегодня. Это единственная сохранившаяся историческая картина Веласкеса. (Ann Kay)

• Las meninas (1656) Diego Velázquez: Las meninas

  Las meninas (с автопортретом художника слева, отражения Филиппа IV и королевы Марианы в зеркало в задней части комнаты, и инфанта Маргарита с ее менинами , или фрейлинами, на переднем плане), холст, масло Диего Веласкеса, ок.1656; в музее Прадо, Мадрид.

  Classic Vision / age fotostock

  Las meninas показывает Диего Веласкеса в конце своей карьеры и на пике его весьма впечатляющих способностей. Немногие работы вызвали больше споров, чем Las meninas . Размер и сюжет помещают его в достойную традицию портретной живописи, знакомую современникам Веласкеса. Однако о чем или о ком идет речь? Веласкес показывает себя за мольбертом в своей студии во дворце Алькасар в Мадриде, с пятилетней инфантой Маргаритой и ее окружением на переднем плане, другими придворными в других местах картины, а также королем и королевой, отраженными в зеркале на задней стене. .Веласкес рисует королевскую чету, когда они позируют за мольбертом, или он рисует Маргариту, которая была удивлена ​​появлением ее родителей в комнате? На первый взгляд «случайная» сцена была очень тщательно построена с использованием обширных знаний перспективы, геометрии и визуальных иллюзий, чтобы создать очень реальное пространство, но с аурой таинственности, где точка зрения зрителя является неотъемлемой частью картины. Художник показывает, как картины могут создавать всевозможные иллюзии, а также демонстрирует уникальную плавную манеру письма последних лет.Просто серия мазков, если смотреть вблизи, его мазки сливаются в яркую сцену, когда зритель отодвигается. Картина Las meninas , которую часто называют «картиной о живописи», очаровала многих художников, в том числе французского импрессиониста Эдуарда Мане, которого особенно привлекали манера письма, фигуры и игра света и тени Веласкеса. (Энн Кей)

• Рубенс Картина «Аллегория мира» (ок. 1660)

  Лука Джордано был, пожалуй, самым плодовитым из великих мастеров 17-го века.Его звали Лука Фа Престо («Лука, работай быстро»), имя, которое, как полагают, произошло от его отца, который уговаривал мальчика идти вперед, имея в виду финансовую выгоду. Потрясающий талант Джордано был обнаружен в молодом возрасте, и впоследствии его отправили учиться сначала у Хосе де Рибера в Неаполе, а затем у Пьетро да Кортона в Риме. Его работы показывают влияние обоих этих учителей, а также Паоло Веронезе, но он разработал собственное выражение, используя яркие цвета, и он, как известно, сказал, что людей больше привлекали цвета, чем дизайн.Ярко-барочный стиль Джордано прекрасно прослеживается на этой картине, изображающей Питера Пауля Рубенса за работой. Аллегорический сюжет был особенно популярен в то время, и включение Джордано почитаемого Рубенса было бы широко признано. Он использовал сложную структурную композицию с фигурами и херувимами, собравшимися вместе с правой стороны, в небольшой картинной плоскости, из которой они, кажется, вырвались наружу. Белый голубь на переднем плане образует фокус, излучает энергию и действие, чтобы привлечь внимание к фигуре Рубенса сзади.В 1687 году Джордано переехал в Испанию, где десять лет работал при королевском дворе. Богатый человек, вернувшись в Неаполь в 1702 году, он пожертвовал городу большие суммы денег. (Тэмсин Пикерал)

• The Naked Maja (1795–1800)

  Вполне вероятно, что Франсиско Гойя нарисовал знаменитую скандальную Maja desnuda ( The Naked Maja ) для Мануэля Годоя, дворянина и премьер-министра Испания. Годой владел несколькими картинами с изображением обнаженных женщин, и он повесил их в личном кабинете, посвященном этой теме. «Обнаженная Майя » показалась бы смелой и порнографической рядом с такими произведениями, как «Венера » Диего Веласкеса и «Амур» (также известная как «Венера Рокби »). Лобковые волосы модели видны — что в то время считалось непристойным, — а статус майи из низшего сословия, наряду с ее позой, с грудью и руками, обращенными наружу, предполагает, что объект более доступен в сексуальном плане, чем традиционные богини западного искусства. Однако она больше, чем просто объект мужского желания.Здесь Гойя может изображать новую marcialidad («прямоту») испанских женщин того времени. Поза майи усложняется ее встречным взглядом и холодными телесными тонами, которые указывают на ее независимость. Гойя заплатил за нарушение табу в 1815 году, когда инквизиция допросила его об этой картине, и впоследствии он был лишен роли придворного художника. (Карен Морден и Стивен Пулимуд)

• Семья Карлоса IV (1800) Франсиско Гойя: Семья Карла IV

  Семья Карла IV , холст, масло, Франсиско Гойя, 1800; в Прадо, Мадрид.

  Archivart / Alamy

  В 1799 году Франсиско Гойя был назначен художником Первого двора Карла IV в Испании. Король попросил семейный портрет, и летом 1800 года художник подготовил серию масляных набросков для формальной аранжировки различных натурщиков. Окончательный результат был назван величайшим портретом Гойи. На этой картине члены семьи носят сверкающие роскошные одежды и пояса различных королевских орденов. Тем не менее, несмотря на пышность и великолепие, художник использовал натуралистический стиль, запечатлевая отдельных персонажей, так что каждый, как выразился один критик, «достаточно силен, чтобы нарушить единство, ожидаемое от группового портрета.Тем не менее, самая доминирующая фигура — королева Мария Луиза в центре. Она, а не король, занималась политическими вопросами, и ее отношения с королевским фаворитом (и покровителем Гойи) Мануэлем Годоем были хорошо известны. Хотя некоторые критики интерпретировали иногда нелестный натурализм как сатиру, вряд ли Гойя таким образом поставил под угрозу свое положение. Члены королевской семьи одобрили картину и увидели в ней подтверждение силы монархии в политически неспокойные времена.Гойя также отдает дань уважения своему предшественнику Диего Веласкесу, вставив автопортрет, подобный Las meninas ). Однако, в то время как Веласкес изображал себя художником, занимающим доминирующее положение, Гойя более консервативен, выходя из тени двух полотен слева. (Карен Морден и Стивен Пулимуд)

• The Clothed Maja (1800–07)

  Через несколько лет после того, как он нарисовал The Naked Maja для своего покровителя Мануэля Годоя, Франсиско Гойя нарисовал одетую версию своего предмета.Похоже, он использовал ту же модель, в той же позе лежа, в той же обстановке. Существует много споров о личности модели, и возможно, что Гойя использовал несколько разных натурщиков для своих картин. Majos и majas были тем, что можно было бы назвать богемными или эстетами. Будучи частью мадридской художественной сцены начала 19 века, они не были богаты, но придали большое значение стилю, гордились своей яркой одеждой и умело использовали язык. Майя на этой картине написана в более позднем, более свободном стиле художника.По сравнению с The Naked Maja , The Clothed Maja некоторым зрителям может показаться менее порнографическим или более «реальным», поскольку ее платье придает субъекту больше индивидуальности. Clothed Maja также более красочен и теплее по тону, чем The Naked Maja . Эта необычная работа, возможно, послужила умным «прикрытием» для обнаженной фотографии, вызвавшей такое возмущение в испанском обществе, или, возможно, она была предназначена для усиления эротической природы The Naked Maja , побуждая зрителя представить себе, как фигура раздевается. .Живопись Гойи, заставляющая задуматься, повлияла на многих художников, особенно на Эдуарда Мане и Пабло Пикассо, и его работы продолжают восхищать и сегодня. (Карен Морден)

• Третье мая 1808 года в Мадриде (1814) Франсиско Гойя: 3 мая 1808 года в Мадриде, или «Казни»

  3 мая 1808 года в Мадриде, или «Казни», холст, масло, Франсиско Гойя, 1814 г .; в Прадо, Мадрид.

  Museo del Prado, Madrid, Spain / Giraudon, Paris / SuperStock

  17 марта 1808 г. восстание Аранхуэса положило конец правлению Карлоса IV и Марии Луизы, королевских покровителей Франсиско Гойи.Фердинанд, сын Карлоса, стал королем. Воспользовавшись фракционностью испанской королевской семьи и правительства, Наполеон вошел и в конце концов пришел к власти. Третье мая 1808 года в Мадриде изображает казнь испанских повстанцев французскими войсками у холма Принсипи Пио. Брат Наполеона, Жозеф Бонапарт, взял корону, и французская оккупация Испании продолжалась до 1813 года. Неясно, каковы были политические пристрастия Гойи, но он провел большую часть оккупации, записывая зверства войны.Его знаменитая печатная серия The Disasters of War включала, пожалуй, самые острые и чистые изображения войны, которые когда-либо видела Европа. Отпечатки были вытравлены с рисунков красным мелом, а новаторское использование художником субтитров сделало резкий комментарий жестокости войны. Третье мая 1808 года в Мадриде — самая непримиримая пропаганда Гойи. Написанная после восстановления Фердинанда на престоле, она отстаивает патриотизм испанцев. Центральная фигура — мученик: он принимает позу Христа, обнажая стигматы на ладонях.Испанцы показаны людьми, красочными и индивидуальными; французы бесчеловечные, безликие и униформные. Этот образ остается одним из самых знаковых образов милитаристского насилия в искусстве, наряду с картинами Эдуара Мане « Казнь Максимилиана » (1867–68) и Пабло Пикассо « Герника» (1937). (Карен Морден и Стивен Пулимуд)

• Обнаженный мальчик на пляже в Портичи (1874)

  После четырех лет художественного обучения в Барселоне каталонский художник Мариано Фортуни выиграл стипендию Prix de Rome в 1857 году и потратил остаток о его жизни в Италии, за исключением года в Париже в 1869 году, где он вступил в деловые отношения с известным арт-дилером Гупилем.Ассоциация принесла Фортуни крупные суммы за его работу и международную репутацию. Он стал одним из ведущих художников своего времени, внесшим свой вклад в возрождение и преобразование живописи в Испании. Характерно, что он писал небольшие жанровые картины до мелочей. Его новаторский способ изображения света, особенно в его поздних работах, и его исключительное мастерство в обращении с краской сделали его источником вдохновения для многих других в Испании 19 века и за ее пределами. Он был выдающимся мастером реалистичного рисунка и живописи, и у него было потрясающее чутье на цвет. «Обнаженный мальчик на пляже в Портичи» — прекрасный образец его позднего стиля. Ярко освещенный кабинет обнаженного детского тела отбрасывает вокруг него сильные тени. Точка обзора сверху, и Фортуни смешивает дополнительные цвета, чтобы придать объекту свежести. В то время, когда это было написано, несколько молодых художников во Франции экспериментировали с эффектами света и цвета, что сделало картину en plein air новым и захватывающим отходом от студийной работы. Фортуни, хотя и не придерживается импрессионизма, безусловно, исследует похожие темы.Он умер через несколько месяцев после завершения «Обнаженная на пляже» в Портичи , заразившись малярией во время рисования этой работы в южной Италии. (Сьюзи Ходж)

• Снятие с креста (до 1443 года)

  «Снятие с креста», темпера по дереву Рогира ван дер Вейдена, ок. 1435–40; в Прадо, Мадрид

  Giraudon / Art Resource, Нью-Йорк

  Картина Рогира ван дер Вейдена «Снятие с креста » является ярким примером ранней нидерландской традиции.Традиция, охватывающая таких художников, как Ян ван Эйк, характеризовалась вниманием к деталям, которое было обеспечено использованием масляной краски. Хотя масло как средство использовалось еще в 8 веке, понадобились такие художники, как ван Эйк и ван дер Вейден, чтобы полностью реализовать свой потенциал. Картина Ван дер Вейдена изначально была заказана Гильдией лучников в Лувене, Бельгия. На картине момент, когда мертвое тело Христа снимают с креста, происходит в том, что кажется замкнутым, похожим на коробку пространством.Хотя нидерландские традиции отличались использованием домашнего интерьера, здесь использование художником пространства придает всей сцене ощущение интимности. Тело Христа осторожно опускают Иосиф Аримафейский слева и Никодим справа. Дева Мария, изображенная традиционно синим цветом, падает у ног Святого Иоанна, который тянется к скорбящей матери. Визуально диагональ, образованная обмякшим телом Девы, перекликается с безжизненным телом Христа над ней. Это острое отражение также очевидно в расположении левой руки Марии по отношению к правой руке Христа.Ван дер Вейден поднимает эмоциональный регистр сцены до беспрецедентного уровня. Опущенные глаза девяти свидетелей смерти Христа в совокупности говорят о безутешном горе, и художник способен изобразить горе, неумолимое в своей печали и эмоциональном пафосе. (Craig Staff)

• Благовещение (1420–25)

  Великое движение фламандской живописи в период раннего Возрождения было инициировано двумя художниками: Робертом Кампеном, известным как Мастер Флемалля, и Яном ван Эйком.Благовещение было темой, которую Кампен писал несколько раз. Около 1425 года он написал Mérode Altarpiece , триптих, на центральной панели которого также был изображен ангел Гавриил, объявляющий Марии о ее роли матери Христа. Одна из самых ярких черт его живописи — детальное изображение современных интерьеров. Благовещение происходит в готическом пространстве. Богородица, сидящая на крыльце, одета в одежду буржуазии 15 века.Габриэль становится на колени на лестнице, собираясь что-то сказать. Он выполнен в обычном напряженном стиле Кампена, а его обычные символы объясняют это событие. Пустой сосуд стоит перед тщательно прорисованными складками платья Марии, а открытый шкаф, наполовину открывающий скрытые предметы, напоминает нам о тайнах, которые ждут в жизни этой молодой женщины. Необъяснимый свет, символизирующий Святого Духа, освещает Деву, пока ее посетитель не потревожил. Изображая Мэри читающей, Кампен подразумевает, что она мудра — намек на престол мудрости.Но она сидит на более низком уровне, чем Габриэль, поэтому она также скромна. Картина разделена вертикально колонной. Левая сторона с Габриэлем — божественная половина, а правая часть изображает человеческий аспект Марии до того, как ее жизнь изменится безвозвратно. (Сьюзи Ходж)

• Автопортрет (1498)

  Альбрехт Дюрер родился в Нюрнберге, в семье венгерского ювелира. Его достижения как художника невозможно переоценить. Он известен как величайший гравер всех времен, его рисунок и живопись не имеют себе равных по сей день, и он был автором книг по математике и геометрии.В 1494 году он уехал в Италию на год; здесь на его творчество повлияла живопись эпохи Возрождения. Хотя работы Дюрера всегда были новаторскими, до тех пор его работы в целом принадлежали к позднему готическому стилю, преобладающему в Северной Европе. В 1498 году он произвел Апокалипсис , набор из 15 гравюр на дереве, иллюстрирующих сцены из Книги Откровения. Он также написал эту картину, Автопортрет , в которой явно прослеживается стиль Возрождения. Он пишет себя в манере итальянского аристократа в позе трех четвертей, типичной для современной итальянской портретной живописи.Фон напоминает венецианскую и флорентийскую живопись с ее приглушенными нейтральными цветами и открытым окном, показывающим пейзаж, простирающийся до далеких заснеженных вершин. Лицо и волосы нарисованы реалистично — это еще одно итальянское влияние, — а руки в перчатках типичны для Дюрера, так как он рисовал руки с особым мастерством. Дюрер написал несколько автопортретов, необычный для того времени сюжет. Этот автопортрет показывает, почему Дюрера часто называют мостом между стилями готики и ренессанса.(Мэри Куч)

• Пейзаж со Св. Иеронимом (1516–17)

  Иоахим Патинир родился на юге Бельгии, вероятно, в Бувине. В 1515 году записано, что он вступил в гильдию художников Антверпена. Он прожил в Антверпене всю оставшуюся жизнь и подружился с Альбрехтом Дюрером. В 1521 году Дюрер был гостем на второй свадьбе Патинира и в том же году нарисовал его картину, давая нам четкое представление о его внешности. Дюрер описал его как «хорошего пейзажиста», что является одним из самых ярких аспектов творчества Патинира.Он был первым фламандским художником, который придал пейзажу в своих картинах такое же значение, как и фигурам. Его фигуры часто малы по сравнению с широтой декораций, что представляет собой сочетание реалистических деталей и лирического идеализма. Пейзаж со святым Иеронимом рассказывает о том, как святой укротил льва, исцелив его раненую лапу. Зритель смотрит вниз на сцену, которая умело скомпонована так, что взгляд сначала направлен на Святого Иеронима, а затем блуждает по пейзажу, разворачивающемуся на заднем плане.У него есть странное сказочное качество, также очевидное в его работе Charon Crossing the Styx , которое подчеркивается использованием светящегося полупрозрачного света. Всего пять картин, подписанных Патиниром, но и различные другие работы можно с полным основанием отнести к нему стилистически. Он также сотрудничал с другими художниками, создавая для них их пейзажи, и работал со своим другом-художником Квентином Массисом над картиной «Искушения святого Антония» . Изображение пейзажа Патинира и его сюрреалистические творческие работы оказали большое влияние на развитие пейзажа в живописи.(Тэмсин Пикерал)

• Тайная вечеря (1555–62)

  Это одна из самых известных картин, изображающих важное событие в жизни Христа, написанная испанцем, который происходил из семьи художников, живущих в Валенсия. Висенте Хуан Масип, известный как Хуан де Хуанес, был сыном известного художника Висенте Масипа и стал ведущим художником Валенсии во второй половине 16 века. Тайная вечеря демонстрирует те же итальянские влияния, что и в творчестве его отца, но добавляет характерный нидерландский поворот.На картинке изображен Иисус и его ученики, собравшиеся вместе для последней трапезы, когда Иисус предлагает своим товарищам хлеб и вино как символы своего тела и крови. Отчетливо видны хлеб и вино, а также облатка и чаша, использованные в таинстве Евхаристии в ознаменование этого события. Сцена представляет собой стилизованную драматургию с ее светотенью , освещением и тоскующими наклоненными фигурами, что делает ее немного маньеристской. Здесь также довольно идеализированные фигуры, уравновешенная композиция и изящное величие мастера высокого Возрождения Рафаэля.Итальянское искусство — особенно искусство Рафаэля — оказало большое влияние на испанское искусство того времени, и Хуан вполне мог учиться в Италии в какой-то момент. Его даже называли «испанским Рафаэлем». Существует множество искусных технических навыков в изображении складок одежды, завитков волос и бликов, отражающихся от посуды и сосудов. Стиль Хуана стал очень популярным, и его много копировали. Его призыв во многом способствовал созданию испанской школы религиозного искусства, известной своей гармоничностью, эффектностью и хорошо продуманным дизайном.(Энн Кей)

• Сад земных наслаждений (1490–1500) Хиэроним Босх: Сад земных наслаждений

  Сад земных наслаждений триптих, дерево, масло Хиэронима Босха, ок. 1490–1500; в Прадо, Мадрид.

  Museo del Prado, Madrid, Spain / Giraudon, Paris / SuperStock

  Хиэроним Босх остается одним из самых своеобразных художников своего времени; его работы полны фантастических зверей, сюрреалистических пейзажей и изображений зла человечества.Он родился в семье художников в голландском городке Хертогенбос, откуда берет свое имя, и провел там большую часть своей жизни. В 1481 году он женился на женщине на 25 лет старше его; это был благоприятный шаг со стороны художника, поскольку к моменту его смерти он был одним из самых богатых и уважаемых жителей Хертогенбоса. Признаком высокого социального положения художника было его членство в консервативной религиозной группе «Братство Богоматери», которая также отвечала за его ранние заказы.Необычайный Сад земных наслаждений — это большой триптих, изображающий взгляд Босха на мир, с райским садом слева, адом справа и человеческим миром непостоянной любви, движущимся к разврату в центре. Перспектива и ландшафт левой и центральной панелей совпадают, что наводит на мысль о переходе к греху от одной к другой, в то время как правая панель ада структурирована отдельно и изобилует изображениями самых отвратительных действий человечества.Видение Босха было в высшей степени фантастическим с сильным моральным посланием, которое сделало его работы очень популярными в то время. Его стилю широко подражали, и его влияние на Питера Брейгеля Старшего было особенно очевидно. Творческое качество его работ должно было оказать значительное влияние на развитие сюрреализма в 20 веке. (Тэмсин Пикерал)

• Чувство зрения (1617)

  Сотрудничество между художниками, даже такими выдающимися, как Питер Пауль Рубенс и Ян Брейгель Старший, не было редкостью во Фландрии 17 века.В этой картине Рубенс внес фигуры. Другой художник, Брейгель, был вторым сыном известного художника Питера Брейгеля Старшего. Специализируясь на пейзажах и натюрмортах, Брейгель был одним из самых успешных и знаменитых фламандских художников своего времени. Он был известен как «Бархатный Брейгель» за его тонкую и детальную визуализацию поверхностей. Эта картина входит в серию из пяти аллегорических работ, написанных Рубенсом и Брейгелем для испанских регентов Нидерландов эрцгерцога Альберта и эрцгерцогини Изабеллы, в которых каждое изображение посвящено одному из чувств.Эта картина, изображающая зрение, находится в воображаемой галерее, наполненной картинами и драгоценностями — астрономическими инструментами, коврами, портретными бюстами и фарфором. Большая фигура за столом — олицетворение взгляда, особенно актуального для коллекционеров. Картина Мадонна с младенцем, окруженная цветами в правом нижнем углу, — это настоящая работа Рубенса и Брейгеля. Двойной портрет за столом изображает двух покровителей. Картины (часто воображаемые) коллекции произведений искусства стали чрезвычайно популярными в Антверпене 17-го века.Эти картины, обычно заказываемые знатоком, составляли коллекцию и часто включали портрет владельца. (Эмили Е.С. Горденкер)

• Соревнование по стрельбе из лука (ок. 1645)

  Плодовитого фламандского художника Дэвида Тенирса Младшего обучал его отец, и в начале его карьеры на него оказали влияние Адриан Брауэр, Адам Эльсхаймер и Питер. Пауль Рубенс. Тенирс стал мастером гильдии художников Антверпена в 1632 году, а с 1645 по 1646 год он был деканом — впоследствии он стал придворным художником и хранителем картин эрцгерцога Леопольда Вильгельма, губернатора Нидерландов.Художник писал самые разные сюжеты, но наибольшую известность ему приносили именно жанровые сцены. Многие из них изображают домашние интерьеры с крестьянами, занятыми различными видами деятельности. Тем не менее, он также нарисовал ряд сцен на открытом воздухе, и именно они, в том числе The Archery Contest , показывают его наиболее эффективную работу и демонстрируют его совершенное обращение со светом в пейзажной обстановке. Здесь он использовал широкие области плоского цвета, которые отражают золотую дымку, когда солнце проникает сквозь густой облачный покров.Картина вызывает ощущение внезапного затишья, ощущаемого либо до, либо после сильного дождя, и она богата атмосферой. Фигуры застывают в движении — лучник готов выпустить свой лук — и кажутся приостановленными в движении. Архитектурные особенности сцены образуют естественную «сцену», на которой происходит стрельба из лука, подчеркивая зрительский характер события. В свое время Тенирс был широко известен как художник, и он был одним из основателей Брюссельской академии изящных искусств в 1663 году и Академии изящных искусств в Антверпене.(Tamsin Pickeral)

Лучшие картины в музее Прадо в Мадриде

Музей Прадо

1. Goya’s

Название в музее Прадо: « El dos de mayo en Madrid ». 1814. Масло, холст, 268,5 х 347,5 см. Комната 64 в музее Прадо.

Франсиско Гойя вместе с Диего Веласкесом составляют краеугольный камень коллекции музея Прадо.За свою карьеру Гойя создал более 700 картин маслом, около 900 рисунков и около 300 офортов . В коллекции музея Прадо более 150 картин Гойи, написанных маслом. Действительно, известный австралийский искусствовед Роберт Хьюз называет Гойю «последним из старых мастеров и первым современным художником».

Франсиско Хосе де Гойя из Люсьентеса родился в небольшой испанской деревне Фуэндетодос в 1746 году и умер в Бордо в 1826 году. Одно из самых важных событий в жизни Гойи произошло в конце 1792 года, когда во время поездки на юг Испании он стал Серьезно болен.Никто точно не знает, какой болезнью он заболел (врачи и историки искусства с тех пор догадались о полиомиелите, гепатите, менингите и сифилисе), но он получил повреждение уха и потерял как равновесие, так и некоторое зрение. Он пролежал в постели более 2 месяцев. Когда он вернулся в Мадрид, к нему вернулось зрение и равновесие, но его слух так и не вернулся . Это событие коренным образом изменило искусство Гойи, но не сделало его художником хуже. Напротив, когда Гойя снова начал рисовать в 1795 году, он был лучше, чем когда-либо прежде.

Гойя работал при трех разных испанских королях и (в течение короткого периода) при Жозефе Бонапарте, брате Наполеона. У него были тесные отношения как с Карлом III, так и с Карлом IV, но напряженные отношения с деспотичным королем Фернандо VII.

Картина:

«Второе мая» (El 2 de mayo en Madrid ) — одно из самых известных и лучших произведений Гойи. На картине изображены драматические беспорядки в Мадриде 2 мая 1808 года после вторжения в страну войск Наполеона.

Работа Гойи написана в 1814 году, то есть примерно через 6 лет после событий. Гойе удается создать одно из самых ярких свидетельств очевидцев в истории искусства. Неизвестно, испытал ли Гойя собственное восстание на улицах, но как художник он убеждает нас, что он был в самом разгаре борьбы.

Картина обрамлена архитектурным фоном — центральной площадью Пуэрта-дель-Соль в самом сердце Мадрида. Фон — единственное, что напоминает порядок искусства эпохи Возрождения — все остальное в картине изображает хаос и неуравновешенность.

В центре картины мы видим большую белую лошадь, которая также является основным источником света на картине. Вокруг лошади войска турецкой армии во французской армии, мамлюки, ведут дикую битву против испанского населения. Мамлюк на лошади держит нож в руке, но его вот-вот застрелит мужчина, изображенный на правой стороне картины. Его глаза широко открыты с диким выражением лица. Мужчина в светло-зеленой куртке вот-вот воткнет меч в брюхо лошади, и глаза у него побелели.

Слева от лошади стоит человек с втянутыми губами и белыми глазами. Он убил мамлюка на лошади, которая направляется к земле. Тело мамлюка отражает меч на земле.

El dos de mayo en Madrid — это снимок, созданный до изобретения камеры. В картине нет ничего «славного», как в военных картинах эпохи Возрождения . Вместо этого, впервые в истории искусства, Гойе удается сделать войну похожей на войну, темную и ужасающую.

Самые известные картины и произведения искусства музея Прадо | 10 лучших картин музея Прадо

Музей Прадо , официально известный как Museo Nacional del Prado , занимает довольно почетное место среди других известных европейских музеев. Здесь представлены различные репродукции картин, которые ежегодно привлекают сотни туристов.

Также никого не оставляет равнодушным строгая элегантность интерьеров этого музея в Мадриде.В музее Прадо представлено более 8000 картин и более 400 скульптур. На выставочных площадях музея можно увидеть не более 2 тысяч картин и около сотни скульптур. Все остальное хранится на складе и выставляется редко, в специальных залах. Чтобы все увидеть, недостаточно просто экскурсии по музею. Поэтому хранители придумали всем посетителям «подсказку». В бесплатной карте музея, которую получает каждый посетитель, есть описание шедевров для обязательного осмотра.Карта показывает путь ко всем картинам.

Вы можете довериться профессионалам музея, а можете самостоятельно изучить схему и выбрать залы с наиболее интересными экспонатами.

Этот музей был открыт в далеком 1819 году. В начале его работы здесь были выставлены коллекции картин, собранных испанскими монархами. Сбор картин происходил на протяжении трех веков, поэтому собрание можно назвать большим.

Картины, собранные в музее Прадо, использовались для украшения часовен в церквях и королевских дворцах, но уже в 16 веке Испания начала расширять культурные связи с другими европейскими странами, поэтому король из Испания Карл V начал активно покупать картины художников со всей Европы. Также он размещал заказы у самых известных мастеров того времени.

Собирательство царя продолжил его сын Филипп II. Он расширил коллекцию картин своего отца, а также перестроил дворец Прадо для своей жены.

Филипп II заказал у Тициана и Иеронима Босха. Таким образом, самая известная картина последнего художника, Сад земных наслаждений , была размещена в этом музее.

После Филиппа II музей был заполнен Филиппом IV. Он приобрел картины Веронезе, Тинторетто и Бассано. Они до сих пор украшают стены этого знаменитого музея в Мадриде.

В 1628 году столицу Испании посетил известный художник Рубенс, который, несмотря на свою дипломатическую работу, продолжал писать.

Некоторые из его работ были немедленно куплены монархом. Среди картин были «Сад любви», «Три грации» и ряд других.

В XVIII веке испанское общество начало интересоваться естественными науками. Поэтому власти решили переделать музей Прадо.

В 1785 году для строительства нового музея было выделено место в одноименном парке, но здание так и не было построено. Этому помешали политические события в стране, а затем нашествие Наполеона.

Только в 1814 году началось новое строительство музея, так как старое здание было серьезно повреждено французской армией .

Стоит отметить, что сначала в этом музее было всего 311 работ. Они старались отбирать только лучшие работы, и для экспозиции музея не отбирались картины с изображением обнаженной натуры.

Постепенно количество картин стало увеличиваться за счет работ местных монастырей. В 1868 году он стал городским музеем. В 1927 году César Антонио Молина подарил музею Прадо картину «Св. Иоанн Богослов ”Эль Греко.

К сожалению, музей Прадо ждала непростая судьба. В августе 1936 года он был закрыт из-за разразившейся в Испании гражданской войны. Все картины удалось спрятать в Швейцарии.

Только в 1939 году музей был открыт для всех желающих, но не все картины были выставлены, так как некоторые из них продолжали храниться в Женеве.

В 1971 году в здании Cason del Buen Retiro был открыт новый филиал музея, где теперь можно рассмотреть работы испанских художников, датируемые XIX веком.

Галерея музея Прадо сейчас насчитывает более 8600 работ различных художников. Несмотря на то, что музей постоянно расширяется, часть картин хранится в подвалах здания. По приблизительным подсчетам, посетители музея могут увидеть всего 200 работ.

В филиале музея, который был основан в здании Cason del Buen Retiro за основным строением, можно увидеть работы испанских художников и скульпторов XIX века.Кроме того, здесь выставлены работы французских и английских мастеров.

Посетители могут также увидеть работы примитивистов и представителей эпохи Возрождения XV и XVI веков, Босха и Дюрера, итальянской школы мастеров XV и XVII веков, Рафаэля и Тициана, испанской школы художников XVI и XVII веков. 18 века, Веласкес и Эль Греко и многое другое.

Если вы хотите получить полное представление о коллекции музея, вам следует не только взглянуть на выставку, размещенную в центральном доме (работы от средневековья до 18 века), но и увидеть Палаццо Вильяэрмоса, где находится прекрасная коллекция Тиссена-Борнемисы и отправляйтесь в Кассон-дель-Буэно-Ретиро, расположенный на Виа Филиппа IV.Здесь представлены работы испанских художников, а также скульпторов, чьи работы относятся к 19 веку.

В музее Прадо в Мадриде находится самая полная коллекция картин, принадлежащих известным шедеврам. Здесь можно увидеть работы Берругете, Риберы, Сурбарана, Мурильо, лучшие картины Веласкеса («Сдача Бреда », «Лас Менинас», «Обед», «Семья Филиппа IV») и Гойи. (среди них картина семьи короля Карла IV, несколько портретов королевских шутов, а также холст с изображением ночной стрельбы со 2 на 3 мая 1808 г. и некоторые другие картины).

Голландская школа художников представлена ​​в музее работами Рогира ван дер Вайдена, Босха, Брейгеля и Мемлинга. Также нельзя пропустить картины итальянских мастеров: Фра Анджелико, Боттичелли, Тициан, Джорджоне, Тинторетто.

Помимо картин, в музее Прадо туристы могут найти коллекции старинных украшений и монет, которые когда-то были в ходу в Испании.

В музее есть несколько работ, до которых сложно добраться из-за постоянного скопления желающих их увидеть.

Las Meninas, написанная Диего Веласкесом в 1656 году, является одной из самых известных картин в Музее Прадо и, возможно, во всем мире, на которой изображена королевская семья Филиппа IV. На картине изображена инфанта Маргарита Тереза ​​и ее окружение. Веласкес — один из самых уважаемых испанских художников в истории искусства. Прадо также владеет 50 из 140 знаменитых картин Диего Веласкеса, что означает, что в музее собрана самая большая коллекция художников в мире.

Также одна из самых известных картин в музее Прадо — «Сад земных наслаждений» Иеронима Босха, который находится там с 1939 года. Этот триптих изображает радость и ужас соблазнов жизни. Левая панель изображает историю Адама и Евы, а средняя панель показывает сад, полный обнаженных фигур, растений и фруктов, сцену беззаботной радости. На правом панно холодно изображено вечное проклятие — наказание за все веселье в центре картины.Примечательно, что Босх почти никогда не подписывал свои произведения, кроме семи из них, в том числе «Сад земных наслаждений». Он датируется концом 1400-х годов.

Хотя это один из многих автопортретов Дюрера, эта версия 1498 года показывает его как дворянина, а не художника. Он сидит в позе, обычно предназначенной для представителей высшего общества. Он также носит перчатки из детской кожи — роскошь, обычно предназначенная для самых богатых слоев общества.Дюрер также документирует трансформацию, произошедшую в эпоху Возрождения. Художники перешли от простых мастеров к более высокому социальному статусу. Следовательно, Дюрер поставил свою подпись на видном месте под окном. Он явно принял эту новую должность.

Картина, которую ранее приписывали Антонису Море из-за необычной техники для Рафаэля. Санти, работая в Риме, мастерски овладел искусством реализма.Многие из его коллег говорили, что он научился рисовать людей более реальными, чем они есть на самом деле. Картина была приобретена испанским королем Карлом IV в Риме, когда он был еще принцем.

Копия знаменитой «Моны Лизы», сделанная учеником Леонардо да Винчи. При внешнем сходстве в работе нет абсолютно никакой загадочности и глубины, что сделало оригинал величайшим шедевром живописи, но интерес к этой работе огромен.

Франсиско Гойя «Портрет семьи Карла IV» (1800 холст, масло).

Король Карл IV поручил Гойе написать групповой портрет королевской семьи. В течение года картина была завершена. Мы видим роскошные костюмы, сияющие драгоценностями и королевскими регалиями, но лица королевской четы свидетельствуют о удручающем отсутствии характера. Высокомерный, высокомерный мужчина в синем камзоле слева — старший сын короля, позже тиран Фердинанд VII.

Рядом с ним, отвернувшись от него, стоит его предполагаемая невеста, которая еще не получила официального предложения.Королева Мария Луиза в окружении своих младших детей находится в центре картины, а король стоит в стороне, повторяя ситуацию, сложившуюся в их жизни; Весь его внешний вид выражает его уважение к королевской жене.

Художник дает точную психологическую характеристику каждому изображенному. Интерпретация образов этой королевской семьи чрезвычайно правдива. Королевская чета не выразила ни неудовольствия, ни энтузиазма, когда увидела представленную им работу.Сам Гойя больше никогда не получал королевских приказов.

Эль Греко «Поклонение пастухов» ок. 1614 Холст, масло, 319 x 180 см

Эта картина украшала алтарь гробницы художника Эль Греко. Монастырь Санто-Доминго-де-Силос (эль-Антигуо) — цистерцианский монастырь в Толедо . На большом вертикальном полотне изображена сцена поклонения пастухов Младенцу Христу. Из темного пространства картины художник светом вырывает две группы.Святая Мария с младенцем, лежащая на ослепительно белом полотне, окруженная фигурами пастухов, погруженных в темноту; вторая группа — ангелы и херувимы, парящие над Мадонной с Младенцем и пастухами.

По словам одного из учеников Эль Греко, пастух в красном одеянии — это автопортрет художника на переднем плане. Работа отличается удивительной сложностью композиции и цветового решения. Мы находим на картинке много белых красок, но действительно ослепительно и сияющим блеском мы видим лежащего на подгузнике Младенца.Даже летящие над ним ангелы, предвещающие его судьбу Спасителя, не нарушают тайн простого существования ребенка.

Скульптура « Группа Сан-Ильдефонсо » (найдена в 1623 году в Риме)

Скульптура изображает Ореста и Пилада, дружба которых стала легендой, в момент, когда они приносят жертву в честь своего возвращения из Тавриды с изображением Артемиды (представленная статуэтка).

Этой жертвой Орест был очищен и освобожден от наказания богов. Некоторые авторы идентифицируют эти статуи как изображения братьев Кастора и Поллукса. В наше время, , римская статуя головы Антинеи была добавлена ​​к левому торсу. Эта скульптурная группа, принадлежащая году к римскому классицизму эпохи Августа года, является прекрасным отражением ее характерной эклектики.

Первое упоминание об этой группе относится к 1623 году, когда она находилась во владении кардинала Массими на вилле Людовизи в Риме.После смерти священника предмет переходит в коллекцию шведской королевы Кристины, а затем в коллекцию первого испанского короля из династии Бурбонов Филиппа V (1683-1746).

Хуан де Фландес « Распятие» 1509-1518 , Oil on. Панель, 123 см X 169 см

Задокументированная работа Хуана де Фландеса, известного только своими картинами Кастилии с 1496 года, когда он поступил на службу к Изабелле Католической.Хуан де Фландес задумал пространство этого «Распятия» как скромно созерцательное и придающее ему итальянские отголоски, в том числе из-за того, как расположены персонажи: с преобладанием прямых линий, которые придают монументальность всему ансамблю. Чтобы привлечь внимание к распятому Христу в центре, вокруг него создан полукруг фигур на фоне пейзажа.

Оригинальность фламандского художника в представлении этой иконографической темы усиливается его мастерством техники, что проявляется в форме, в которой он воспроизводит характеристики таких предметов, как драгоценные камни и кораллы, разбросанные по земле.

Найти музей Прадо достаточно просто, он находится в самом центре Мадрида:

— Станция метро Atocha — добраться можно прямо из аэропорта. Отсюда до музея несколько сотен метров, вы можете найти таблички с надписью «Museo del Prado».

— Автобусы — 9, 10, 14, 19.

— Рядом с музеем остановка туристического автобуса, недалеко от площади Кибела, знаменитого парка «Ретиро».

Здание музея видно издалека, оно величественно и монументально, как и все в Мадриде.

Время работы музея: с 10:00 до 20:00 (по воскресеньям и праздникам музей закрывается на час раньше).

Три дня в году (1 января, 1 мая и 31 декабря) Прадо не принимает посетителей. А 6, 24 и 31 декабря он открыт только до двух часов.

Стоимость обычного билета на вход и осмотр основной выставки составляет 14 евро. Дети до 18 лет освобождены от уплаты сбора. Студентам с международным билетом предоставляется скидка 50%.

Вы можете купить билет в кассе Прадо и на домашней странице музея. Но не нужно торопиться тратить деньги. Каждый день туристы имеют возможность посещать Прадо абсолютно бесплатно. За два часа до закрытия касса музея раздает всем бесплатные билеты. К этому времени музей набирает внушительную очередь. Не бойтесь, очередь тает очень быстро (15-20 минут).

За использование аудиогида необходимо заплатить 3,50 евро. На бесплатной карте есть описание основных шедевров, аудиогид будет полезен тем, кто действительно увлекается живописью.

Каждый посетитель Прадо находится под строгим контролем. Сумки, зонты, рюкзаки необходимо оставлять в гардеробе.

В музее запрещено фотографировать, но сотрудники смотрят сквозь пальцы. Сдать их придется только владельцам больших фотоаппаратов. Посетители активно фотографируют на телефоны и планшеты.

В музее есть хорошее кафе, которое пригодится тем, кто хочет провести в Прадо целый день.

Каждый посетитель может оставить письменный или устный отзыв о своем посещении музея, а на выходе есть несколько электронных устройств.

Национальный музей Мадрида Прадо — достопримечательность Мадрида, которую необходимо посетить, чтобы увидеть работы выдающихся художников. В нем представлена ​​наиболее полная выставка картин с древних времен до наших дней, поэтому посещение этого музея запомнится каждому ценителю искусства на долгие годы.

Музей Прадо 10 самых известных картин

Меня зовут Андрес Харабо, и помимо ежегодного посещения Прадо я предлагаю единственный тапас-тур для любителей вина🍷

Получил образование на Сицилии, удерживаемой арагонцами, Антонелло отправился во Фландрию, где он научился рисовать маслом и приобрел вкус к деталям.По возвращении он переехал в Италию, и его наследие оказалось решающим для венецианской школы. Он умер в 1479 году, то есть в том же году, когда вступил в силу союз между короной Кастилии и короной Арагона. Можем ли мы тогда думать, что Антонелло был испанцем в течение нескольких месяцев?

2) Кардинал

Были высказаны всевозможные предположения относительно личности этого кардинала, но до сих пор ни одно из них не было принято. Неужели он жестокий Родриго Борджиа, любивший травить своих противников? или кардинал Дембо, написавший самые красивые сонеты своего времени? или молодой Хулио Медичи !?
Этот шедевр портретной живописи эпохи Возрождения был написан Рафаэлем Рафаэлем около 1513 года, то есть самым блестящим в его использовании цвета.В 1513 году Испания уже потеряла свою королеву Изабель ла Католику и в 1516 году своего короля Фернандо эль Католико.

3) Император Карл V в Мюльберге, Дом Габсбургов

Карл из дома Габсбургов, император Священной Римской империи германской нации, король Испании, Мексики, Перу, Кубы, Нидерландов, Бельгии, Австрии, Сицилии, Неаполя и т. Д. Был самым могущественным человеком в то время. Внук католических королей, немецкого императора и королевы Бургундии.
Император, облаченный в доспехи, которые сегодня выставлены в Королевском дворце в Мадриде, едет на фоне реки Эльбы, готовый к битве.Протестантская ересь быстро распространялась по Северной Европе и грозила ввергнуть Германию в гражданскую войну. Протестантские силы потерпели поражение в Мюльберге, а большинство их лидеров были взяты в плен. Это была великая победа, увековеченная любимым художником Карла, Тицианом .

4) Филипп II, Дом Габсбургов

Сын императора Карла V и самый могущественный человек в мире. Филиппины были названы в его честь, но он также правил Испанией, Сицилией, Неаполем, Америкой, Португалией, Индией и т. Д.

5) Изабелла Клара Евгения, Дом Габсбургов

Изабелла, внучка императора и фаворитка его отца Филиппа II. Она сыграла важную роль в качестве губернатора Нидерландов и вышла на пенсию, как и многие женщины Габсбургов, войдя в Лас Дескальсас, монастырь 16 века, который до сих пор стоит и доступен для посещения в центре Мадрида. Художник Санчес Коэльо демонстрирует чрезвычайно реалистичную обработку костюма (школа Фландрии) и глубокое знание теплоты венецианских мастеров.

6) Кузница Вулкана

Вулкан в своей кузнице, создает доспехи. Ковка прерывается Аполлоном из-за его известия о неверности жены Вулкана Венеры Марсу. Он был написан величайшим испанским художником Веласкес во время его поездки в Италию. Влияние школы Болоньи заключается в композиции и чрезвычайно тщательной передаче анатомии фигур. Оцените его очень личный диапазон серых и коричневых оттенков, а также длину, которую Веласкес старается уловить, не говоря уже о свете вокруг каждой из фигур и между ними.

Протестантская ересь, охватившая Северную Европу в 16 веке, затронула и Нидерланды. Империя Габсбургов, состоящая из представителей разных национальностей, объединенных только католицизмом, не могла позволить процветать протестатизму. В случае с Нидерландами это спровоцировало войну, которая длилась 80 лет. Шедевр Веласкеса — ода его другу Амброджо Спиноле и тому, как любезно он принял капитуляцию голландской армии, которая так отчаянно защищала город Бреда.

8) Las Meninas, Музей Прадо Best Piece

Лучшая картина в Мадридском музее Прадо и, по мнению многих искусствоведов, лучшая в мире. Веласкес почему-то рисует не то, что видит, а то, что король есть. Вы можете увидеть отражение короля в сопровождении королевы на обратной стороне картины. Объем и свет картины не в этом мире.
Веласкес показывает красный крест на груди. Этот крест отличает Knights of Santiago, эксклюзивный клуб, к которому не имели доступа скромные семьи, такие как семья Веласкеса.Королю пришлось сражаться больше года, и только с помощью самого Папы! что Веласкес был посвящен в рыцари монастыря Корпус-Кристи, который до сих пор стоит в центре Мадрида.

9) Карл IV Испанский и его семья

Поразительно влияние Веласкеса Гойя . Этот испанский гений 18-го века не только копирует идею появления на картине, но вы также заметите, что он воспроизводит в позе королевы принцессы из «Менинов».Это имеет смысл, если вы знаете, что Гойя оттачивал свою технику, копируя картины Веласкеса.
Гойя умел производить картины исключительного качества. Одна из его уловок заключалась в том, чтобы красить руки самых важных людей и скрывать остальных. Рисовать руками очень много времени, и они ничего не добавляют к картине, потому что вы их не замечаете!

Не пропустите платье , которое носит Рафаэла. Он вошел в моду в Европе после La Sylphide , балета, который покорил мир своим платьем Marie Taglioni и первым танцем на цыпочках.Это лишь один из секретов этой картины, но есть и другие секреты: https://www.youtube.com/watch?v=_R1-ZgsT-V4

8 лучших картин в музее Прадо

Музей Прадо может похвастаться главным испанским национальным художественным музеем , который находится в центре Мадрида. Во всем мире считается, что здесь собрана лучшая в мире коллекция произведений искусства с 12 по 20 век. Он был основан в 1819 году и сначала считался музеем живописи и скульптуры.Сейчас он насчитывает 8200 рисунков, 1000 скульптур, 4800 гравюр и 7600 картин, и многие из лучших в мире произведений и исторических документов. Давайте откроем для себя лучшие работы музея:

Las Meninas, Диего Веласкес

Это картина Диего Веласкеса, ведущего художника Золотого века Испании. Это снимок большой комнаты в Королевском Алькасаре в Мадриде во время правления короля Испании Филиппа IV. На нем представлены люди, сидящие в разных позах.Картина посвящена молодой инфанте Маргарет Терезе, которую окружают фрейлины, охранники, собака, два гнома и сопровождающий. Сразу за ними Диего Веласкес показывает себя работающим над холстом; глядя вовне за пределы поля зрения зрителя. На заднем плане изображены стоящие король и королева, помещенные на живописный холст. Некоторые ученые считают это загадочным и сложным, что поднимает вопросы об иллюзии и реальности. Из-за этих сложностей «Менины» считается самой высоко оцененной картиной в западной живописи.

Триптих «Картина маслом» получила свое современное название «Сад земных наслаждений» на дубовой панели, написанной известным художником раннего Нидерландского мастера Иеронимом Босхом. Сложность его символики широко анализировалась многими учеными на протяжении многих веков. Внешняя часть картины написана таким волшебным образом, что при закрытии створок триптиха становится виден дизайн внешних панелей.Самая интересная часть картины заключается в том, что она отражает время до создания солнца и луны. Внешнее панно изображает творение мира, показывая зелень девственной земли. Многие ученые предполагали, что Босх использовал внешнюю панель, чтобы придать работе библейский элемент, а внешнее изображение символизирует более раннее время, чем внешняя панель. По словам другого ученого, внутренние панели исследуют и передают идею Ветхого Завета о том, что до грехопадения не существовало определенной границы между Добром и Злом, и человечество, а общественная жизнь не знала о последствиях, вызванных этим.

Он был нарисован художником Франсиско Гойей в 1814 году. Говорят, что он хотел стать памятником армии Наполеона во время войны на полуострове. Особенность картины — содержание, эмоциональная сила и подача, которые ужасающе определяют последствия войны. Эта картина написана в ранний утренний час и сосредоточена на двух массах мужчин: один из них жестко расстрелян, а другой — это хаотическая группа захваченных мужчин, удерживаемых под дулом пистолета.
La Maja Desnuda-It была написана Франсиско Гойя, которая изображает обнаженную женщину, лежащую на подушке, что, вероятно, было санкционировано Мануэлем де Годой. На картине много традиционных изображений испанского искусства, но смелый взгляд на картине ломает стереотипные испанские обнаженные рисунки.

Художник Рогир ван дер Вейден создал этот шедевр в 1435 году. Уникальный стиль работы привлек большое внимание в этот период, поскольку пост был новым для испанского искусства.Это мнение является прямым отражением мистической преданности, выраженной в знаменитых договорах Томаса Кемписа «Подражание Христу».
Сатурн, пожирающий своего сына — это имя дал художник Франсиско Гойя. На этой ужасной картине Сатурн пирует на своих биологических сыновьях. Голова ребенка и часть левой руки уже съедены, правая рука тоже съедена. Титан собирается откусить еще один кусок, когда появляется из темноты. Было проанализировано множество противоположных представлений: время как поглотитель всего, борьба между молодым поколением и старостью, суровость Бога и оправдание ситуации в Испании.

Las Hilanderas, Диего Веласкес

Его написал известный испанский художник Диего Веласкес. Традиционно на этой картине изображены работницы драпировочной мастерской Санта-Исабель. Он известен тем, что участвовал в конкурсе ткачей, и говорят, что после победы художник был превращен в паука ревнивой богиней Афиной.

Это картина маслом, написанная Рубенсом около 1635 года.Художник хранил ее до последних дней, а после его смерти отправился в Королевский Алькасар Мадрида, а затем был повешен в Музее Прадо. Три обнаженные женщины в картине представляют собой различные этапы развития жизни женщины.

Это было написано испанским художником Франсиско Гойя, который воочию стал свидетелем французской оккупации Испании. Он характеризует начало восстания мамлюков из французской императорской гвардии, которые приказали атаковать и покорить восставших испанцев.Толпа здесь видит мамлюков из французской императорской гвардии, что, в свою очередь, вызывает их спровоцированный ответ. Вместо рассеивания включили зарядку мамлюков, в результате чего завязалась жестокая драка.

El Caballero de la mano en el pecho, Эль Греко

Позднее это было переведено на английский язык как «Джентльмен с рукой на груди» на картине, написанной маслом Эль Греко. Он был написан в раннюю испанскую эпоху, в 1608 году, и отличался отличительной чертой, поскольку художник нарисовал серию идентичных портретов таинственных джентльменов, одетых в дополняющие друг друга черно-белые воротнички на фоне брюнетов.