«Лягушатник» Ренуара и Моне: сравнение импрессионистов
«Лягушатник» Пьера Огюста Ренуара, является прекрасным примером французского импрессионизма. Интересно, что одноименное полотно есть и у его друга – Клода Моне. «Лягушатник» (La Grenouillere) по–французски означает «пруд для лягушек», был курортом, расположенным на Сене, популярном местом встречи среднего класса на реке недалеко от Буживаля.
Отель La Grenouillere был одним из любимых мест отдыха императора Наполеона III и его семьи и популярным местом встречи художников. «Лягушатник» служит прекрасным образцом для сравнения и сопоставления стилей двух мастеров и исключительным в том смысле, что демонстрирует прямое сравнение техник двух величайших художников в истории искусства и, безусловно, двух величайших импрессионистов. Работая в одном месте, Ренуар и Моне писали свои полотна с одинаковой точки зрения, что позволяет напрямую сравнивать двух художников.
История
Летом 1869 года Ренуар и Моне вместе отправляются в Буживаль, живописную деревню на берегу Сены, примерно в двадцати километрах к западу от Парижа. Художники разместили свои эстакады рядом друг с другом, и всего через несколько часов каждый создал свой собственный «Лягушатник».
Общее
Моне и Ренуар похожи в том, что они оба уловили мимолетность момента в природе – главная цель импрессионизма. На каждой картине есть вид небольшого круглого плавучего дока. На каждой картине изображена большая лодка, плывущая к причалу, и несколько маленьких лодок. На каждой картине есть пары, прогуливающиеся вдоль кромки воды или пересекающие бандитские планки. Оба художника используют импрессионистский стиль смелых мазков, сочетают резко контрастирующие, не смешанные цвета, которые дарят картине мерцающую жизнь воды. Оба мастера ценили поверхностное, незаконченное качество работы. Несколько ключевых особенностей (большая лодка, въезжающая вправо, и опущенная ветка дерева на переднем плане) подтверждают, что картины были сделаны одновременно.
Объекты картины
На картине Моне в левом нижнем углу есть две гребные лодки, а с правой стороны – большая конструкция с людьми. В центре картины – платформа на воде с группой людей и дерево с темно-зелеными листьями. Позади центрального дерева находятся деревья светло-зеленого цвета, окрашенные множеством быстрых мазков. В нижней половине нет человеческих фигур, а в верхней половине нет лодок. Нижняя половина – своего рода натюрморт качающихся лодок на воде, ожидающих сдачи в аренду. Верхняя половина наполнена группой фигур.
Техника Моне
Моне изображает момент солнечного света и желает таким образом вызвать чувства и эмоции о силе Природы. Его сознательное разделение предметов на картине предлагает зрителю путь от одного плана к другому – он начал с детального сосредоточения на цветах на лугу, которые ведут зрителя к пруду, затем к деревьям и кустарникам на заднем плане, а потом и выше, в небо.
Моне также экспериментировал с новыми способами отражения воды, используя огромные широкие мазки коричневого, белого и синего цветов. В живописи Моне рябь воды состоит из повторяющихся штрихов, а в живописи Ренуара рябь неоднородна и не смешивается с другими цветами. Отражение дерева в живописи Моне в воде разделяет картину на две половины. Организованная композиция Моне отличается от живописи Ренуара, в которой отсутствует организация горизонтальных и вертикальных линий. Эта картина в действительности гораздо больше предана воде, ветрам, свету и отражению, нежели человеческой истории.
Техника Ренуара
Прежде всего, мы замечаем, что версия Ренуара намного более серебристая: в ней меньше контрастов между крайним светом и крайней темнотой.
Если Моне более детально выписывает предметы природы, то Ренуар гораздо больше внимания уделяет людям, а также нескольким собакам, которых нет в живописи Моне. Мы можем насчитать более десятка человеческих фигур и ясно видим, какого они пола и какую одежду носят.
При этом, Ренуар также выписал детали сцены – гребная лодка и покрытые листвой ветви, свисающие с дерева. Композиция Ренуара гораздо менее прямолинейна. Там нет линии через центр. В целом техника мастера на данной картине – это четкие линии, что в большей мере соответствует классической школе. Он также набросал ярко-белый импасто (густая накладка красок для усиления эффекта света и фактуры) по воде, что позволило отразить свет и движение воды, создаваемое купальщиками и лодками.
Если вы внимательно посмотрите на картину Ренуара, почти каждое прикосновение его кисти на поверхности имеет небольшой изгиб. Его мазки пухлые, а не плоские. «Лягушатник» является одним из его шедевров, эклектикой пейзажа и личности в одной картине.
Таким образом, хотя Моне и Ренуар написали одно и то же место с одного ракурса и в одно и то же время, Ренуар больше фокусировался на людях в своих картинах, в то время как Моне больше тяготел к пейзажам. Моне фокусируется на природе, а Ренуар – на социальной сцене.
artifex.ru
Моне, Дега, Ренуар, Писсарро и Гоген
Пьер Огюст Ренуар в Испании
Как и все импрессионисты Пьер Ренуар был влюблен в жизнь. Даже когда после семи лет отношений его бросила возлюбленная и вышла замуж за другого, художник не обратился за утешением к абсенту, великому терапевту парижской богемы, а отправился путешествовать. Чтобы развеять грусть он выбрал самое подходящее место — Испанию, где томные взгляды поверх вееров и шедевры местных художников помогли Ренуару быстро воспрянуть духом.
Все дни напролет он проводил в музеях, часами простаивая у картин Веласкеса и Гойи.
Возможно, разглядывая светящиеся жизнью и какой-то особой энергией лица на полотнах испанских мастеров, Ренуар понял, что хочет писать сентиментальные портреты и пейзажи, где мир такой, каким его видит только он — подвижный, изменчивый, волнующий. Художника захватило ощущение полноты бытия, и он начал создавать наброски, копируя работы известных мастеров и вырабатывая собственный стиль.
Испания, где так запросто играют со смертью в бычьем обличии, умеют наслаждаться каждым моментом жизни — бокалом вина и маленькой закуской; сыпать искрами во время супружеской ссоры, грозиться убить, а потом с жаром, искренне, обниматься — идеальная страна для импрессиониста, все творчество которого построено на мимолетных впечатлениях. Никаких библейских и мифологических сюжетов — только реальные моменты жизни — улыбки, женщин, цветы, пар над чашечкой кофе.
После поездки в Испанию в творчестве Ренуара начинается так называемый “Перламутровый период”. Он создает ряд полотен, как будто подсвеченных изнутри — на них с помощью техники вибрирующего прозрачного мазка создан эффект перелива красок. Эти картины наполнены сиянием, напоминающим “свечение” картин Эль Греко.
Постепенно, под влиянием воспоминаний об Испании, на смену “Перламутровому периоду” приходит “Красный”, где в солнечных пейзажах и мечтательных взглядах брюнеток угадывается ностальгия по каникулам в стране Дон-Кихота
Клод Моне в Нидерландах
Клод Моне стал основоположником импрессионизма по воле случая, из-за язвительного комментария одного журналиста о его картине “Впечатление. Восходящее солнце”. Критик писал о той выставке: «На ней не было ничего, кроме впечатленчества». При том Моне и не мечтал быть дерзким новатором — просто однажды заметив игру солнечных лучей с мелкими волнами, попробовал запечатлеть эту вибрацию света и воздуха с помощью легких мазков.
Первые уроки живописи Клод Моне получил еще в дестве, гуляя по парижским набережным с художником Эженом Буденом. С этих пор до конца жизни сохранил любовь к работе на открытом воздухе, особенно рядом с водоемами. В годы франко-прусской войны художник живет в Лондоне, затем переезжает в Заандам, небольшой портовый город рядом с Амстердамом.
Именно в этот период формируется стиль Моне. В Заандаме он создает 25 полотен, на большинстве из которых на первом плане море — спокойное, прирученное человеком, закованное в бухты и каналы. Контуры предметов как будто смазаны легким движением воздуха — волны как сотни блестящих чешуек отражают свет по особому. Моне заметил это еще в Париже, но именно в Заандаме разглядел настолько хорошо, что смог отразить это в своих картинах, которые больше напоминали мозаику из крупных мазков. Он считал что только так можно передать свежесть впечатления.
После возвращения из Голландии во Францию начинается самый плодотворный этап в жизни художника. Он пишет несколько картин, но два года спустя, возвращается в Амстердам чтобы снова почерпнуть вдохновение гуляя вдоль рек и каналов. Эта влюбленность в игру света с водой осталась с Моне на всю жизнь и вдохновила на создание множества бессмертных полотен.
Эдгар Дега в Италии
Рожденный в аристократическое семье Эдгар Дега был волен выбирать чему посвятить себя. Красивая обстановка, изысканно одетые гости с прямой осанкой и мягкими движениями, великолепие парижских улиц пробудили в нем тягу с прекрасному. В 20 лет он всерьез решает посвятить себя живописи и становится учеником в мастерской Луи Ламота. У своего наставника Дега перенимает любовь к четким контурам, вырабатывает перфекционизм, страсть к абсолютной гармонии. Все свободное время молодой художник проводит в Лувре, копируя картины известных мастеров.
Переломным моментом становится поездка в Италию. Дега ненадолго поселяется у родственников во Флоренции, к недоумению которых все время проводит разглядывая полотна и фрески в музеях и соборах. В столице Тосканы молодого французского художника ждало волнующее знакомство с шедеврами эпохи Возрождения — картинами Мантенье, Беллини, Джотто. Но более всего на него оказывает влияние творчество Паоло Веронезе.
В Италии Дега оттачивает зоркую наблюдательность, сдержанную манеру письма, умение создавать резкий и точный рисунок. К радости родственников юноша наконец перестает пропадать в галереях и проводит дни дома, рисуя один за другим членов семьи. Так появилось знаменитое полотно — “Портрет семьи Беллини”, которое Дега начал писать во Флоренции. Мощь и глубина композиции говорит о стремлении следовать идеалам итальянского Ренессанса. Именно умение изображать современную жизнь с мастерством, достойным живописцев 15 века, отличало Дега от художников его поколения и принесло ему мировую славу.
После возвращения из Италии, Дега заканчивает работу над портретом семьи Беллини и открывает собственную мастерскую. Дега никогда не скрывал — всему, что умеет: трепещущей игре оттенков, умению запечатлеть обычные события в необычной манере, асимметричной композиции — он научился в Италии, разглядывая работы старых мастеров.
Поль Гоген на Таити
Долгий путь на корабле, экзотическая природа, разноцветные национальные костюмы — самые яркие впечатления детства Поля Гогена. Именно они в будущем породили в нем неуемную тягу к путешествиям.
Гоген родился в Париже, откуда его семья переехала в Перу. До семи лет мальчик наслаждался беззаботной жизнью в поместье своего дяди в Лиме. После возвращения в столицу Франции Гоген долго не мог адаптироваться к европейскому порядку жизни. Он грезил о тропиках, а цивилизацию считал “болезнью человечества”. Чтобы отгородиться от мира реального, шумного и раздражающего, Гоген с головой окунается в мир живописи и дает волю своему воображению.
Уже повзрослев, он начинает привыкать к жизни в Старом Свете: идет на службу, женится, покупает дом и обзаводится пятью детьми. Яркие тропические сны больше не напоминают о себе, все идет гладко — Гоген коллекционирует картины, в свободное от работы брокером время делает рисунки. Но после переезда в Копенгаген увлечение живописью вытесняет все остальные занятия. Он начинает задумываться о побеге туда, где его ничто не будет отвлекать от новой “религии”.
Гоген жаждет слиться с природой, бросает работу, дом, семью и переезжает на Таити, где создает около 80 великолепных полотен. Пляжи с белым и черным песком, бирюзовые лагуны в обрамлении кокосовых пальм, сладкий запах тропических цветов — все напоминало о счастливом детстве в Перу. Его новой супругой становится молодая таитянка. Кроткая и послушная, она ни в чем не перечет Гогену, который наконец обрел свой экзотический творческий рай на островах, где улыбка ценится дороже чаевых. Художник работает в полную силу, изучает местные мифы, наблюдает за повседневной жизнью народов Океании, даже находит время для написания рассказов. Но полотна Гонена европейская публика считала примитивными и оценила их по достоинству только после смерти художника, жизнь которого разделена на два этапа — “как положено” и “как хочется”.
Камиль Писсарро в Венесуэле
Жизнь — это череда маленьких праздников: утреннее солнце, завтрак, пикники и ужины с друзьями. Такова творческая философия Камиля Писсарро — еще одного парижского “тропического эмигранта”.
Его детство прошло на красочном индийском острове Сент-Томас. Вероятно, именно отсутствие классического французского воспитания и либеральные нравы в семье (мать — уроженка Доминиканы, отец — испанский еврей), обусловили склонность Писсарро к анархизму. После переезда в Париж, он решает, что его призвание — живопись и сбегает вместе с другом в Венесуэлу. В Каракасе он изучает художественные техники и “наполняет глаза миром”: старинные города конквистадоров, бесконечные пляжи, высокие грохочущие водопады, медленные реки и как будто созданные для медитации лагуны — словно фотоснимки отпечатываются в памяти юного художника.
В жизнерадостной латиноамериканской стране Писсарро впитывает в себя спокойное и легкое отношение к жизни. С этого момента и до конца творческого пути в его работах доминируют пронизанные светом и воздухом пространства. Именно во время путешествия по Венесуэле Писсарро приобретает стойкую тягу к пейзажной живописи.
После возвращения в Париж он продолжает изучать художественные техники и каждую свободную минуту проводит в Лувре, разглядывая картины и делая наброски: изображает сцены портовой жизни, экзотическую природу родного острова и венесуэльские просторы. Он пишет картины плотными мазками, наполняя их физическим ощущением света. Изобретает технику раздельного наложения мазков, вырабатывает многие базовые принципы импрессионизма.
Сохраняя юноше
blog.ostrovok.ru
Импрессионизм. Клод Моне, Эдуард Мане, Эдгар Дега, Пьер Огюст Ренуар: barucaba — LiveJournal
Импрессионизм (фр. impressionnisme, от impression — впечатление) — направление в искусстве последней трети XIX — начала XX веков, зародившееся во Франции и затем распространившееся по всему миру, представители которого стремились наиболее естественно и непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления. Обычно под термином «импрессионизм» подразумевается направление в живописи, хотя его идеи также нашли своё воплощение в литературе и музыке.
Термин «импрессионизм» возник с легкой руки критика журнала «Le Charivari» Луи Леруа, который озаглавил свой фельетон о Салоне Отверженных «Выставка импрессионистов», взяв за основу название этой картины Клода Моне. Художники приняли этот эпитет, впоследствии он прижился, потерял свой первоначальный отрицательный смысл и вошёл в активное употребление.
Клод Моне. Впечатление. Восход солнца. 1872, музей Мармоттан-Моне, Париж.(Impression, soleil levant)
Рисунок, бывший основой всех основ на протяжении столетий, начиная с эпохи Возрождения, был изгнан. Живопись — это цвет. Пятна красок, громоздящиеся друг на друге. Отныне даже тень имеет цвет. Только черной краске не было места на их холстах. Мир стал набором красок на палитре. Цвет и свет — главными персонажами их картин. Они писали только то, что видели. Не просто делали этюды. Они начинали и заканчивали картину за один сеанс, сохраняя свежесть и непосредственность первого впечатления. Детали не были важны. Место темных полотен мэтров академической живописи заняли их искрящиеся всеми мыслимыми цветами и оттенками холсты.
Они ушли из мастерских рисовать жизнь. Современную жизнь. Своих героев они искали не в древней истории и мифах, боги Греции и Рима (во всяком случае, в ту пору) не интересовали их. Своих героев они искали и встречали на парижских бульварах, в кафешантанах, просто по соседству среди обитателей чердаков Монмартра. Они писали не вечность, мгновение. Сломав традиционную систему ориентиров мира прекрасного, научили и зрителей, и художников по-новому смотреть на мир и искусство.
Клод Моне (1840-1926)
Эдуард Мане (1832-1883)
Эдгар Дега (1834-1917)
Пьер Огюст Ренуар (1841-1919)
barucaba.livejournal.com
Клод Моне — Лягушатник
Оригинальное название: La Grenouillère
Год создания: 1869
Лето 1869 года Клод Моне провел вместе со своим другом Огюстом Ренуаром, тесно сотрудничая с ним в поисках новой темы для рисования. Они установили свои мольберты близ «Лягушатника», одного из популярных мест отдыха парижан на Сене. Находящееся в Круасси рядом с Буживалем, западном пригороде Парижа, это речное кафе привлекало горожан своим удобным расположением для купания и катания на лодках. К концу весны 1869 года Моне вместе со своей молодой семьей переехал в Сен-Мишель, деревню под Буживалем, чтобы остаться там до следующего лета. «Лягушатник» вместе с речным рестораном идеально подходил для наблюдения за людьми в их раскрепощенных и повседневных позах. Также, в большей степени для Моне, чем для Ренуара, это дало возможность исследовать его любимые атмосферные эффекты на воде. Картина «Лягушатник» это в равной мере эссе об отражении солнечного света на водной поверхности и тщательное изучение человеческих взаимодействий и поз отдыхающих, заимствованных из ранних карикатурных работ художника. Фигуры на крошечном круглом острове в центре холста, известном как «Камамбер», одеты в самые разные виды одежды: от длинных черных купальных костюмов по моде 1860-х годов на женщинах слева, до джентльменов в высоких шляпах и белых брюках с женщинами в длинных кринолиновых юбках справа. Они окружены гребными лодками спереди, обнаженными по пояс купальщиками слева и посетителями плавучего ресторана справа. Все классы смешаны, что делает «Лягушатник» необычным зрелищем. После отказа жюри парижского Салона весной 1869 года Моне был готов к переменам. В письме к своему другу писателю Арсену Уссе от 2 июня он писал: «Отказ в Салоне полностью убедил меня… Переезд завершен, и я нахожусь в очень хороших условиях и полон решимости работать, но, увы, этот фатальный отказ почти лишил нас хлеба и, несмотря на то, что мои цены немного подняты, дилеры и коллекционеры поворачиваются ко мне спиной.» Моне отчаянно пытался найти новую манеру живописи, которая могла бы обрести массовую привлекательность. В «Лягушатнике» он наткнулся на что-то новое и не совсем понял, что нашел. К концу лета, все еще сетуя, что ему нечего будет представить в предстоящем Салоне, он написал Базилю: «У меня есть мечта, картина, купальня в «Лягушатнике», для которой я сделал несколько грубых эскизов, но это мечта. Ренуар, который провел здесь два месяца, также хочет написать эту картину.» Существует мнение, что данная работа входила в число тех «грубых эскизов», упомянутых в письме. Наряду с персонажами, выполненными в карикатурной манере с не прорисованными чертами лица, Моне подчеркнул контуры природы справа, обозначив их в беглой манере. Художник ограничил свою палитру двумя или тремя тонами зеленого, чтобы изобразить деревья на левом берегу Сены напротив сцены с «Камамбер» и сфокусировался на отражениях в воде от тех же деревьев, лодок и купальщиков. Водная рябь, состоящая из попеременных мазков синего, зеленого и черного, подобно бравурной азбуке Морзе или исполнению в стиле стаккато, уводит зрителя от мирского объекта, чтобы сосредоточить его внимание на самом применение краски. «Лягушатник» был именно той картиной, которая заставила бы критика Луи Леруа назвать Моне и его друзей «импрессионистами» в его обзоре их первой выставки пять лет спустя.
impressionism.su
Импрессионизм: этот изменчивый реальный мир…
«Я пытался сделать невозможное — нарисовать сам свет.»
Клод Моне
Импрессионизм — «порождение настроения и мгновения», особое направление в европейском искусстве последней трети XIX — начала XX века. Импрессионизм возник во Франции и постепенно распространился по всему миру, оказав влияние не только на живопись, но и на литературу и музыку.
Происхождение названия и метода
Бывало ли так, что из критического замечания родилось целое направление в искусстве? Оказывается, да. Термин «импрессионизм» произошел от названия картины Клода Моне «Впечатление. Восходящее солнце» («Impression. Soleillevant»), представленной на парижской выставке 1874 года. Рассказывая об этой выставке, журналист сатирической газеты пренебрежительно назвал участвовавших в ней художников импрессионистами, отмечая, что в их полотнах нет ничего, кроме впечатления (impression). Так и появилось наименование нового стиля. Из духа противоречия, свойственного первооткрывателям, художники подхватили этот термин, и он прижился, утратив отрицательный смысл. Понятие «импрессионизм» относится в большей степени к методу написания картин, чем к творческим взглядам этих художников.
Своей главной задачей импрессионисты считали передачу впечатления, а для этого нужно было, что называется, ловить момент, запечатлевать реальный мир во всей его изменчивости. Внутри студии было невозможно достичь такого эффекта, и художники выходили «в мир» — на пленэр, где быстро набрасывали эскизы, стараясь уловить естественное освещение и настроение момента.
Для художника-импрессиониста важнее не то, что изображено на картине, а как именно это изображено. Многие работы импрессионистов и в самом деле хранят слепок первого впечатления — в мастерской кисть живописца их уже не касалась, и они выставлялись и продавались как есть, пусть даже с некоторыми помарками и огрехами. Но в этом живом течении жизни и кроется прелесть импрессионизма, секрет его неизменной популярности.
«Импрессионизм — рождение света в живописи» (Р. Делоне)
Такая интересная обыденность
Можно сказать, что импрессионисты довершили то, к чему художники всех прежних стилей только приближались: они отвергли любой академизм не только в оформлении работ, но и в сюжетах. Импрессионистов не интересуют застывшие, выдуманные формы. Они больше не воплощают библейские, мифологические и литературные сюжеты — им важна исключительно современность в своем самом непосредственном проявлении.
На полотнах импрессионистов появились обычные люди, которые ходят по улицам, работают, отдыхают, флиртуют, танцуют, обедают в кафе. При этом художники не заставляли людей позировать, а в буквальном смысле рисовали жизнь с натуры. Так появился совершенно новый жанр изобразительного искусства — городской пейзаж.
Одной из главных «моделей» импрессионистов стала живая, непосредственная, никак не приукрашенная природа. Одни и те же места импрессионисты рисуют при разном освещении, при разной погоде и в разное время суток, стремясь передать течение времени, переменчивость и мимолетность каждого мгновения.
Многие импрессионисты, например Камиль Писсарро, полностью отказались от черной краски
Известные имена и самый популярный жанр
Эдуард Мане (1832–1883) был одним из родоначальников импрессионизма и известным «скандалистом от искусства»: его картина «Купание» («Завтрак на траве»), выставленная в Париже в 1863 году, вызвала возмущение зрителей тем, что двое одетых мужчин на ней завтракали в обществе обнаженной дамы.
Эдуард Мане «Олимпия» (1863) Как и «Завтрак на траве», эта картина Мане спровоцировала скандал
Клод Моне (1840–1926) первым начал много работать на пленэре, утвердив, таким образом, основные принципы творчества импрессионистов.
Клод Моне «Бульвар Капуцинок» (1873) Блестяще переданное ощущение туманного прохладного дня
«Я могу рисовать только то, что я вижу» (К. Моне)
Альфред Сислей (1839–1899) отдавал предпочтение нежным, красочным, «воздушным» пейзажам, стремился поймать и отобразить живой нерв природы.
Альфред Сислей «Деревня на берегу Сены» (1872) Художник не любил городскую суету, предпочитая сельскую местность
Эдгар Дега (1834–1917) и Огюст Ренуар (1841–1919) изображали людей, точно и натуралистично передавая их движение, характер, особенности внешности.
Берта Моризо «Колыбель» (1872) Зрители особо отмечали «акварельную нежность масляной живописи» в этой картине
Первая женщина-импрессионист — Берта Моризо (1841–1895).
Пейзаж — самый популярный жанр импрессионизма. Например, в знаменитых сериях Клода Моне определенный «фрагмент мира» (Руанский собор, вокзал Сен-Лазар, Темза) представал в различное время и при разных погодных условиях. Можно вспомнить и его «кувшинки», которые художник неутомимо писал при разном освещении и в разное время суток.
Стройность и разнообразие городских пейзажей Парижа и Руана великолепно передают работы Альфреда Сислея: туманная дымка над полями, рассеянный солнечный свет, легкость бегущих по небу облаков.
«Ничто в искусстве не должно казаться случайным, ни один жест». Э. Дега
Палитра и тюбик
Импрессионисты старались сочетать чистые цветовые тона: ушли в прошлое черные тени и контуры, мрачные землистые краски уступили место свежим и ярким. Благодаря этому картины в жанре импрессионизма были наполнены солнцем и воздухом, казались подвижными и живыми.
Для подбора цветовых сочетаний художники пользовались принципом цветового круга, что позволяло свести палитру всего к шести краскам. В цветовом круге основными цветами являются желтый, красный и синий, промежуточными — оранжевый, зеленый и фиолетовый. Дополнительные цвета расположены друг напротив друга и образуют пары: красный — зеленый, синий — оранжевый, желтый — фиолетовый. Оттенки серого в цветовом круге отсутствуют.
Изобретенный в середине XIX века фабричный способ изготовления и упаковки красок подарил художникам неограниченную мобильность. Краски в тюбиках не засыхали, как раньше, что давало возможность сколько угодно работать вне мастерских — на природе, на улицах, в кафе, ловя интересные моменты и сохраняя свежесть непосредственного впечатления. «Без красок в тюбиках не было бы импрессионизма!» — справедливо заметил Огюст Ренуар.
«Нужно идти в направлении классики, но через натуру, то есть через ощущение» (П. Сезанн)
Поделиться ссылкой
sitekid.ru
Мане и Моне, Эдуард и Клод
? LiveJournal- Find more
- Communities
- RSS Reader
- Shop
- Help
- Login
- CREATE BLOG Join
- English
(en)
- English (en)
- Русский (ru)
- Українська (uk)
- Français (fr)
- Português (pt)
- español (es)
- Deutsch (de)
- Italiano (it)
- Беларуская (be)
ngasanova.livejournal.com
Моне, Ренуар, Пикассо, Матисс, Кандинский, Эшер и другие художники за работой
Ценителям живописи и коллекционерам хорошо знакомы их произведения, но мало кому представлялась возможность наблюдать, как великие мастера создают свои шедевры. В этих документальных видеозаписях величайшие живописцы 20-го века заняты созданием своих работ. Среди них Пикассо, Матисс, Кандинский, Ренуар, Моне, Эшер и другие мастера.
Клод Моне, 1915
Выше кадры с французским импрессионистом Клодом Моне, сделанные в Живерни, когда ему было 74 года. Он запечатлён за написанием картины в собственном саду рядом с прудом, где росли лилии. Видео записал летом 1915 года французский актёр и драматург Саша Гитри для своего патриотического документального фильма времён Первой мировой войны «Наши» (Ceux de chez nous). Это были не лучшие времена в жизни Моне. Его вторая жена и старший сын умерли, а зрение ухудшалось из-за катаракты. Но последнее десятилетие жизни (он умер в 1926 году в возрасте 86 лет) оказалось чрезвычайно продуктивным периодом в творчестве Моне.
Пьер Огюст Ренуар, 1915:
Увидев кадры из этого видео, также снятые Сашей Гитри, уже нельзя смотреть прежними глазами на картины французского импрессиониста Пьера Огюста Ренуара. В последние десятилетия своей жизни он страдал тяжёлой формой ревматоидного артрита. Когда записывали эти кадры, в июне 1915 года, 74-летний Ренуар был прикован к инвалидному креслу и испытывал постоянные боли. В видео сын художника Клод вкладывает кисть в постоянно сжатую руку отца. Говорят, когда Анри Матисс спросил страдающего Ренуара, почему тот продолжает рисовать, он ответил: «Боль проходит, а красота остаётся».
Огюст Роден, 1915:
В видео выше запечатлён французский скульптор Огюст Роден в нескольких местах, в том числе в своей мастерской в особняке Отель Бирон в Париже. Здесь он провёл последние годы жизни. Позже здание стало Музеем Родена. Видео записал Саша Гитри в конце 1915-го, когда Родену было 74 года. В этих редких кадрах скульптор работает над очередным произведением.
Василий Кандинский, 1926:
В 1926 году кинорежиссёр Ханс Цюрлис записал редкие кадры с русским художником-абстракционистом Василием Кандинским. В видео запечатлён процесс нанесения краски на чистый холст в галерее Нойманн-Нирендорф в Берлине. Кандинскому тогда было около 59 лет, он преподавал в «Баухаузе» и был видным теоретиком школы.
Анри Матисс, 1946:
В этом видео 76-летний французский художник Анри Матисс делает угольный набросок своего внука Жерара в собственном доме и студии в Ницце. Это отрывок из 26-минутного фильма Франсуа Кампо, снятого для французского Департамента по культурным связям. Ниже ещё одно короткое видео 1946 года, в котором Матисс делает свои знаменитые бумажные вырезки. Ухудшение здоровья вынудило его упростить свой стиль и разработать технику составления изображения, позволявшую беречь силы.
Пабло Пикассо, 1950:
На кадрах выше испанский и французский художник Пабло Пикассо рисует на стекле в своей мастерской в Валлорисе, во Французской Ривьере. Это фрагмент из фильма 1950 года «Визит к Пикассо» (Visite à Picasso) бельгийского кинорежиссёра Пола Хизертса. Художнику тогда было около 68 лет.
Джексон Поллок, 1951:
В короткометражном фильме «Джексон Поллок 51» американский художник-абстракционист рассказывает о своей работе и на глазах зрителей создаёт одну из своих картин. Ханс Намут снял это видео, когда уже прославившемуся художнику было 39 лет. Их сотрудничество оказало сильное эмоциональное воздействие на Поллока и он решил налить себе бурбона, впервые за два года трезвости, после лечения от алкогольной зависимости. С тех пор Поллок не переставал выпивать и погиб 1956 году в автомобильной катастрофе, сев за руль в нетрезвом состоянии.
Альберто Джакометти, 1965:
Швейцарский скульптор и живописец Альберто Джакометти наиболее известен своими тонкими, вытянутыми скульптурами в виде человеческих фигур. Но в видео выше из фильма 1966 года Эрнста Шайдеггера Джакометти занят созданием портрета в своей студии в Монпарнасе, в Париже. Кадры, по-видимому, были записаны в 1965 году, когда Джакометти было около 64 лет, и жить ему оставалось меньше года.
Мауриц Эшер, 1971:
Выше можно понаблюдать за нидерландским художником-графиком Маурицем Корнелисом Эшером. Документальный фильм «М. К. Эшер: Приключение в восприятии» снял режиссёр Хан Ван Гелдер. Его работа получила призы на различных кинофестивалях и номинировалась на «Оскар» в 1972 году.
Превью: Джексон Поллок; фотограф Ханс Намут.
Смотрите также:
cameralabs.org